Idea original; Loretto Blazquez y Sergio Unzueta
Texto de presentación: Mariana Caballero y Sergio Unzueta
Diseño Gráfico, Diseño Editorial Corrección de color: Yadira A. Velázquez
Acopio de obra: Oscar Salgado R.
Este catálogo electrónico se terminó de editar el 4 de agosto de 2022 en la CDMX y hizo posible gracias al apoyo de los artistas, la exhibición que se realizó en la Galería Buenavista del ISSSTE se llevó a cabo gracias al Departamento de Cultura de la misma institución, sin fines políticos o de lucro, con el propósito solo de difusión de la cultura y el trabajo de los artistas participantes.
Salud, símbolo y transición
Salud, símbolo y transición, es una muestra plástica de arte colectiva, donde se reúnen las obras de diversos artistas. Los conceptos tienen relación con un amplio espectro cultural de claroscuros. Para el colectivo, el arte transita dualidades en torno a diversos y múltiples temas que se interrelacionan.
La salud es uno de los estados ideales del ser humano; la transición es el proceso de la vida y de la muerte que son el principio y el fin de nuestro transcurrir, también es el crecimiento desde la perspectiva biológica, física, química, intelectual, espiritual, material, etc., con el que la humanidad vive en una trascendencia individual o colectiva, dónde la sociedad experimenta, acumula conocimientos, y simboliza todo este bagaje; reflexiona y asimila a su paso lo que su ojo y mente percibe.
Acorde con ello, se presenta el caos, el desorden, la confusión y la enfermedad física, mental y social, y estos movimientos, que serían la contraparte de la conducta sana del bien común, en ocasiones son el punto de quiebre para sobreponernos y crecer como especie, ya que a pesar de este paradigma anacrónico, se antepone siempre la necesidad de salir adelante, individual y colectivamente, y es ahí donde el arte se presenta como acto sensible que ejecuta grácilmente el ejercicio humano de la expresión social.
Es en el caos y el desorden, en dónde el arte, al igual que la ciencia, entre otras disciplinas inherentes al ser humano, hacen de la vida un mundo mejor, y curan las heridas provocadas por nuestro transcurrir temporal y efímero, que sin el arte no sería recordado.
Mariana Caballero & Sergio Unzueta
Yuri Ángel Zárate
Introducción
Porque la salud es el estado ideal del hombre, la transición es el proceso de la vida, el crecimiento biológico, físico, químico, intelectual, espiritual, material, etc., con el que la humanidad transcurre en una trascendencia individual o colectiva, dónde la sociedad vive experiencias, acumula conocimientos, y simboliza todo este bagaje, asimilando y reflexionando a su paso lo que su ojo y mente percibe, dentro de este acontecer diario la humanidad se ha enfrentado a diversas problemáticas, a veces caóticas, inciertas, sociales, culturales, de salud, políticas públicas etc. En la jerarquización de los conceptos el ser humano la ha impuesto a sus coetáneos, estos modelos son pragmáticos, institucionales o informales, al final el ser humano ha regulado sus actividades a través de las reglas y las normas, y es así como ha construido o deconstruido el modelo ideal. Muchas veces este objetivo no se alcanza, intervienen otros intereses ajenos a los ideales, a la moral, a los valores, a los principios. La corrupción, el caos, el desorden, la manipulación, a estos terribles hechos que son la contraparte de la conducta sana, del bien común. Sin embargo, a pesar de este paradigma anacrónico, se antepone el ideal, arte, el ejercicio social humano de la expresión social, la actitud positiva, los hechos concretos, es ahí dónde el arte como la ciencia, entre otras disciplinas inherentes al humano, hacen de la vida un mundo mejor.
Tres tiempos del corazón
El hombre busca armonía, busca seguridad, busca su felicidad. Nada de lo que nos rodea puede estar bien, si nosotros no lo estamos. Debemos seguir avanzando, iniciar una y otra vez el camino, salir de nuestra zona de confort para alcanzar mejores horizontes.
El corazón marca nuestros pasos, él impone el ritmo, nos muestra el camino correcto y nos hace dudar ante el equivocado. Nuestro corazón también cambia, no permanece, siempre evoluciona en diferentes tiempos.
El inicio de un camino nos marca su paso al tiempo del cielo, cuando hemos alcanzado lo que creemos, la felicidad está en lo más alto del cielo. Finalmente, necesita llegar a su último tiempo, cuando el amor muere. Es aquí donde vuelve a iniciar todo, volvemos a creer, a caminar, a reír y emprender este camino bello que es la vida.
Acto primero: buscando los tiempos del corazón
La vida es circular. Al comenzar un camino, de alguna manera estamos llegando al final del anterior. No permanecemos inmóviles. Damos vueltas en un mismo plano tratando de alcanzar nuestros anhelos. En ese caminar encontramos sillas vacías que ocupamos por largos instantes o breves momentos, para después dejarlas vacías, solas, siempre con la promesa de volver a ocuparlas.
Es solo en ciertas ocasiones cuando ese sueño tan buscado se nos cumple y tenemos la oportunidad de subir los peldaños y estar por un momento en donde el corazón nos espera. Ahí podemos permanecer por breves momentos y ocupar la silla máxima en instantes que para nosotros son una eternidad y después bajamos a iniciar el camino de nuevo. Los tiempos del corazón no permanecen, ninguno se repite, cada uno nos deja una huella, nos vuelve seres menos terrenales y con un alma más pura.
Yuri Ángel Zarate, 1968.
En 1985 ingresa al Colegio de Ciencias y Humanidades Plantel Vallejo, en donde adquiere una fuerte influencia artística del Maestro Jorge Albarrán, tomando el taller de “Expresión gráfica”. Finalmente, es en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, en donde su pasión por el arte se hace permanente e inicia un camino de descubrimientos y nuevas propuestas hasta llegar a un estilo propio.
La serie Chimbo, aventuras de un pillo es una basta serie realizada sobre tela, la cual representa al “Chimbo” personaje que alude a la imagen pícara del diablo inspirada en la expresión popular, representando al cábula, pícaro, travieso e ingenioso demonio con un toque de erotismo.
El estilo gráfico, colores y materiales empleados, son intrínsecos de su propuesta, donde el artista enfatiza la obsesión del hombre por el paso del tiempo, del eterno movimiento (espirales); de caminos que nos llevan hacia diferentes direcciones y no parecen tener fin (líneas y flechas); la importancia que le damos al erotismo en el mundo que nos rodea (cuerpo y corazón). Nuestra existencia, a pesar de ser complicada y a veces fragmentada (cuadros, marcas, secciones) es parte de un todo que somos nosotros mismos.
Se destaca en su quehacer artístico distinciones como el Primer lugar en Animación Cuadro 2003, Ciudad de México, Mención Honorífica en el 5 Festival Internacional de Cinema de Famalicao Fama Fest 2003 Cinema y literatura, en 2003 y en 2002, el 2o lugar en el 1° Concurso de fotografía de la Secretaría de Relaciones Exteriores Esta es mi Cancillería. Además, la proyección de su trabajo en Expresión en Corto 2003, que se llevó a cabo en Guanajuato, y el corto animado The Monkey on my back, digitalización y animación en 2002, y la muestra individual De amores, recuerdos y pecados en la Casa de la Cultura Honduras en 1992.
También participa en diversas muestras colectivas como: Subasta, Hogar y Futuro A.C. en la Galería Medellín 174, 2013, Tzompantli Homenaje a los muertos en la Casa de Cultura, Delegación Xochimilco, 2012, Arte Mexicano, Colectiva de primavera, en la Galería Luma, San Ángel, CDMX, 2006, Tzompantli Homenaje a los muertos Galería La Fuente, Centro Cultural Ollín Yoliztli, en 2000 y 1999 en el Museo casa de León Trotsky.
Además, podemos destacar en 1992 The Glam World llevada a cabo en la Capilla Británica México, en la Ciudad de México, Tona Animaes en la Casa de la Cultura Jesús Romero Flores, Ciudad de México, Reencuentros por el XX Aniversario del Colegio de Ciencias y Humanidades, Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario y Arte por la paz para Radio Educación también en la Ciudad de México, en el año de 1992, y en 1990 La Máscara en México exhibición en la Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM.
Mariana Caballero
El acto de respirar
Esta pieza habla sobre el acto de respirar, como la acción más pura y simple de saberse vivo, de estar presente en el aquí y el ahora. La referencia a la vida está plasmada en las hojas y el verde de lo vital, el círculo representa el acto mecánico de la respiración como algo cíclico y perfecto. El círculo expresa simbólicamente el ciclo de la vida y del universo, el círculo lo contiene todo y todo en la naturaleza cabe en el, es la forma más natural, por ello en todas las culturas ha sido sagrado.
El acto de meditar
Esta pieza habla sobre la paz interior que te da el acto de meditar, como una de las formas más simples y bellas de tener salud y plenitud, de vivir el instante presente y hacer consciencia de tu existencia. Al igual que en El acto de respirar, aquí se repite el Símbolo del círculo, planteando el Mismo concepto del ciclo de la vida y el universo. El círculo es un símbolo sagrado para todas las culturas, el círculo no tiene principio ni fin, y por ello representa el sentido de la vida y de la muerte, a la par que el infinito y movimiento constante de la vida y del universo en continua creación.
Mariana Caballero, Ciudad de México, 1977.
Artista Mexicana, egresada de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda INBA, con Maestría en Arte por el Instituto Cultural Helénico, cuenta también con una especialidad como Terapeuta con arte, además de diversos diplomados en Cine, Escenografía, Psicoanálisis del arte y Valuación de arte.
Su trabajo es multidisciplinario, ya que busca abordar un mismo tema con técnicas distintas tanto bidimensionales como tridimensionales. Ha expuesto individual y colectivamente en recintos importantes de la Ciudad como San Carlos, y la Galería Central del Centro Nacional de las Artes así como en los museos de Arte Contemporáneo, Ateneo de Yucatán, MACAY, el Museo de Arte Moderno MAM, Museo de la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla UPAEP, y en el Museo de Mujer en la CDMX.
Internacionalmente en el 2009 fue invitada a la Feria de Arte Internacional SOFA en Chicago Illinois y su obra ha sido acogida en España, Italia y Estados Unidos.
Su trayectoria artística cuenta con más de treinta exposiciones colectivas, diversas publicaciones y destacan los siguientes reconocimientos: 2002 Mención honorífica en el concurso de creación de sombreros del The British Council y Periódico Reforma y en 2001 el Tiraje de 1000 copias litográficas de su obra pictórica titulada Tinto seleccionada en el concurso Jóvenes Pintores, organizada por Maxium de México, Robert Mondavi y Magenta Galería.
Así mismo, 6 muestras individuales: 2022 Dream and pop, exposición individual para Dos, en las instalaciones de Koseh espacio creativo, en 2020 Exposición individual, Galería de la estación Copilco de la CDMX, en 2019 La Ausencia del cuerpo, en el Museo del Palacio de Medicina, en 2016 Individual para dos; Mariana Caballero y Fernando SAMA Transmutación en Galería Casa Quimera. UNAM. En 2012 expone para el Espacio para artistas independientes TIBA “Arte y Diseño” y en 2005 Memoria de Cuerpos inéditos Galería La Casita del Centro Cultural Abraham Lincoln de la CDMX de Polanco.
En el 2019 la Artista presentó su proyecto La Ausencia del cuerpo en una exposición Individual en el Museo del Antiguo Palacio de Medicina de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM, que conformó piezas de pintura, arte, objeto e instalación, serie en la que sigue trabajando en la actualidad y que se ha expuesto en otros recintos de la Ciudad de México incluida la Galería del Metro Copilco, donde su obra generó un positivo impacto en el público.
Actualmente, trabaja a la par de sus proyectos artísticos, un proyecto de Sanación a través del arte, impartiendo talleres de Terapia con arte y creando piezas que puedan impactar en la salud de las personas, las piezas aquí presentadas son parte de esa serie de Sanación a través de arte.
Óscar Velasco
Familia
La línea de la historia nos ha dejado claro que dentro de la naturaleza humana domina el caos, la violencia, la dominación hacia los semejantes. Aún no hemos alcanzado el punto cumbre evolutivo. Nos vemos dominados por instintos que deberíamos saber dominar.
En la sociedad es una constante esa eterna lucha por el ser, el doblegar, el manejar a los demás. La solución a eso pareciera en primera instancia difícil. Como podemos ser capaces de suprimir algo que es parte esencial de nosotros?. Parte de nuestra propia existencia.
La familia constituye el pilar primordial de un buen ser humano. Es una empresa indispensable en la formación. Tiempos que corren donde lo primero que se destruye en la vida de un pequeño es la estructura familiar. Las nuevas generaciones tienen una doble dificultad. Pareciera que afrontarán un estado salvaje.
La vida
Como un árbol, así como crece hacia lo alto, la parte bella y tangible; la parte oscura crece hacia abajo con la misma fuerza. El árbol me representa una alegoría de la vida misma, equilibrio perfecto entre lo visible y hermoso y la parte oculta.
Óscar Velasco, 1986
No es posible decir que el desarrollo artístico de Velasco ha sido de manera autodidacta. Pues alrededor existen miles de influencias, visuales, auditivas. Ergo, el desarrollo de su pintura surgió en el taller de dos artistas plásticos, ambos autodidactas a su vez. Sin una formación académica en las artes, pero con un fuerte amor por el dibujo desde siempre. Caricatura en el inicio, por agrado. Grafiti después, por competencia.
Estudios en Informática por el Instituto Politécnico Nacional, seguido de 10 años en Grafiti sobre muros y también sobre cartulinas que podía vender a fuera de escuelas. Los primeros vestigios de lo que aquí nos atañe.
En 2007 comienza en el arte del tatuaje con un estudio propio, 2DK.
En 2008 conoce al maestro Juan José Camacho. Y es en su taller donde descubre el lado plástico del arte.
Funge como ayudante en la pintura y en labores de enmarcado, embalajes, envíos, transportación e instalación de obras.
En 2010 trabaja en el taller de Theo, el hijo de su primer maestro. El rol es el mismo, desempeña las mismas labores y además pinta sus primeros cuadros. Con el óleo, se siente cómodo, pero además pinta con acrílico. Diversos experimentos con materiales sobre también distintos soportes. La época de la búsqueda.
Es en la ciudad de Hermosillo donde logra vender su primera pintura. Una mixta con fibras, y óleo sobre tela. Diciembre 2011.
La época de la búsqueda sigue dando frutos con incorporación de Arenas de Mar y Polvos de Oro sobre lienzos. Bodegones Surrealistas y Abstracción.
Funda su primera galería junto con un grupo muy cercano de amigos. Omar Barba, Mario Várguez, Juan José Camacho y Theo. Por nombre llevará Galería Mosaico, en el Antiguo Barrio de San Ángel, Plaza San Jacinto. Año 2014. Descubre las bondades de la aerografía y entra en la labor de decorar autos y motocicletas. Pintura surrealista. Hace uso de una paleta muy colorida. Colores pasteles, y tonos muy brillantes, casi neones, sobre temas de civilizaciones, leyendas y mitos antiguos.
En 2017 funda Galería Vórtice, en el corazón de la colonia Roma, con el mismo grupo de amigos.
Descubre los pasteles, la escultura y el grabado.
En 2019 se muda al Pueblo Mágico de Tepoztlán en el Estado de Morelos. Es colaborador de la galería de su primer maestro, Galería Camacho. En 2020 regresa Galería Vórtice y es Maestro de Pintura en WeArt. Esto aunado a su labor en el Tatuaje y la Aerografía.
En inicios de 2022 decide exponer en ambos Jardines del Arte de la Ciudad de México.
Abstractos con explosiones y vértices en transiciones de color. Bodegones sin gravedad sobre mesas, pisos y cajones. Surrealismo que evoca la corriente metafísica de Chirico. Retratos pop mezclados con abstracción. Pergaminos que simulan una roca tallada con inscripciones de ranas, saltamontes, cocodrilos, coyotes, aves, árboles, y personajes. Finalmente, sirenas con una mezcla de todos esos estilos que se fueron desarrollando con la búsqueda y el tiempo.
Milo
Las tres gracias provienen de la antigüedad grecolatina, sus nombres son Aglaya-Belleza, Eufrósine-Jubilo y Thalía-Abundancia y estos tres personajes se asociaban al amor, la belleza, el deseo y la fecundidad y las tres, eran hijas de Zeus y Eurínome.
Están realizadas con la técnica cerámica de placa con pastillaje y quemadas en la técnica Rakú. La interpretación que le hago a Aglaya es el de la armonía, el equilibrio y el balance, donde los senos son equilibrados y armónicos y el ropaje está lleno de ores que son asociadas con la belleza.
Eufrósine-Jubilo, tiene los pezones ligeramente hacia arriba como si estuviera sacudiéndose o brincando y los ojos son muy separados tratando de demostrar algo de locura, cosa que asocio con los personajes ruidosos y locuaces.
Thalía-Abundancia está representada con senos más grandes, su rostro es regordete así como su cuello indicando la abundancia.
Así que básicamente la interpretación de los personajes están basadas en los senos. Unos geométricos, otros en movimiento y la tercera con senos grandes y rozagantes.
Familia
La línea de la historia nos ha dejado claro que dentro de la naturaleza humana domina el caos, la violencia, la dominación hacia los semejantes. Aún no hemos alcanzado el punto cumbre evolutivo. Nos vemos dominados por instintos que deberíamos saber dominar.
En la sociedad es una constante esa eterna lucha por el ser, el doblegar, el manejar a los demás. La solución a eso pareciera en primera instancia difícil. Como podemos ser capaces de suprimir algo que es parte esencial de nosotros?. Parte de nuestra propia existencia.
La familia constituye el pilar primordial de un buen ser humano. Es una empresa indispensable en la formación. Tiempos que corren donde lo primero que se destruye en la vida de un pequeño es la estructura familiar. Las nuevas generaciones tienen una doble dificultad. Pareciera que afrontarán un estado salvaje.
La vida
Como un árbol, así como crece hacia lo alto, la parte bella y tangible; la parte oscura crece hacia abajo con la misma fuerza. El árbol me representa una alegoría de la vida misma, equilibrio perfecto entre lo visible y hermoso y la parte oculta.
Milo
El creador nunca piensa en que corriente desea insertarse dentro de las Artes, pero por el manejo de la síntesis, la gestualidad de la obra, así como por el modernismo de la gura, mi obra pertenece a la corriente llamada Neo Figurativismo, corriente que se inicia a principios de los años 60’s.
¿Por qué hago cerámica?
La cerámica ha incluido de una manera asombrosa en mi creación, el barro se ha apoderado de los personajes (al principio pintados en lienzo y papel o grabados) convirtiéndolos primero en guerreras y guerreros; después en diosas-mujeres y luego en bailarinas rumberas o amencas. La Madre Tierra me ha ido sumergiendo en un sublime amor, donde la suavidad del barro combinado con la técnica Rakú se ha convertido en un parto de creación que se concreta en cada pieza que sale del horno. Como las que pueden parir son las mujeres, casi solo hago mujeres. La magia de la cerámica me ha ido llevando de una manera sutil, pero severa, haciéndome vehículo de mi propia creación. La humedad del barro y lo imprevisible del Rakú hacen de mi obra la parte medular donde las piezas parecen brotar por sí mismas, técnica japonesa del siglo XVI, donde la pieza es sacada del horno al rojo vivo con unas pinzas y es depositada en un recipiente metálico lleno de hojas. Al hacer contacto la pieza con la materia orgánica se incendia produciendo un acto mágico porque el fuego empieza a grabar sus huellas en la pieza. La palabra Rakú quiere decir: “Lo mejor del mundo”, “deleite”, “placer”.
Egresado de la Escuela Libre de Arte y Publicidad, ha cursado distintos talleres de dibujo, grabado y cerámica, destacando el Taller de Rakú con los Maestros Bárbara Weibel y Patrice Rouby, y con la Maestra Erika Morales. También Taller de Paper Clay con la Maestra Higuchi Wuacana. Muy importante también su trabajo como ilustrador independiente de 1981 a 1999 en diferentes editoriales y agencias de publicidad.
En su trayectoria como artista profesional expone de forma individual: Mar y Tierra, Radio Educación, D.F. (Pintura y Cerámica) en 2002. Criaturas de Agua Embajada de Cuba, D.F. (Cerámica) y Milo, sus tres facetas en la Galería de la Sociedad Mexicana de Geografía y Estadística, D.F. (Pintura, grabado y cerámica) en 2003. TodoMiMundoEsMuyPequeño en el Museo y Casa de la Cultura Diego Rivera de Guanajuato, Gto. (Pintura) en 1980 y en 1983 Animales en la Galería El Ágora en la Ciudad de México.
Milo cuenta con una treintena de exposiciones colectivas, entre las cuales destacan: Formo parte del establo, en la Galería de Arte Amart Torreón, Coahuila, en 2011, Luminaria Bicentenario X Festival de las Artes 2010, Atizapán de Zaragoza, Estado de México. En 2009 en la Ciudad de México: Orígenes y el círculo, Centro deportivo Israelita, y Miradas, en Galería Agua Fuerte. El tiempo y la memoria, en el Centro Benemérito de las Américas, CDMX en 2008. De humo, fuego y tierra, en Calimaya Estado de México, 2007, Mito y Esencia, Instituto Potosino de Bellas Artes, y Enjambre en la Alianza Francesa, San Luis Potosí, S. L. P. En 2006, Jornada Heredia-Martí, Club de Periodistas y 1a Feria de la Cerámica en el Club de Periodistas en 2005, CDMX. En 2004 Muestra Colectiva en el Museo Fuego Nuevo, en 2003 Reminiscencias Precuauhtémicas, Instituto Politécnico Nacional (ESCA) y VII Salón de la Plástica Cubano-Mexicana en la Embajada de Cuba. Novo, Amor, Escándalo y Conciencia Gay/ Pintura, Museo Universitario del El Chopo en 1999. Primer Certamen de Pintura/ Acuarela, Salón de la Plástica Mexicana en 1983 y en 1982 Colectiva de Invierno/ Acuarela, en la Galería José Clemente Orozco de la Ciudad de México.
Andrea Cerda Camacho
“La ansiedad, el miedo o la tristeza son malas para la salud. Pero el arte, más que un lujo o una experiencia lúdica, es un camino para mantener la vitalidad física y mental.”
- Jennifer Stellar, Universidad de Toronto
Cuando hablamos de arte, usualmente pensamos en la obra expuesta en los museos, en el trabajo de quienes asistieron a una escuela especializada o en las muestras de aquellos a quienes consideramos “más talentosos” que nosotros, porque tendemos a relacionar el arte con la estética o con “lo bonito”. La realidad es que el arte, en su forma más sencilla, es un vehículo de expresión que no tiene relación con las normas de belleza. Bailar, cantar, escribir, esculpir, pintar, son actividades que pueden ayudar a que nuestros pensamientos y sentimientos superen los límites del yo y se traduzcan en movimiento, color, sonido, textura, forma.
Así pues, apelar al poder comunicativo del arte, es apelar también a su poder curativo, ya que nos brinda el poder de establecer esas conversaciones incómodas, que nos permiten dejar ir lo que no queremos, de aprovechar esos pequeños catalizadores para liberar aquello que a veces nos hace sentir mal o nos agobia, aquello que nos cuesta expresar, que no nos permite explotar nuestro potencial, que no nos permite florecer.
Niñas y niños tienen derecho a la salud, a disfrutar su niñez de la mejor forma posible. Es importante entender que la salud no se refiere solo a la supervivencia y cuidados operativos, sino al desarrollo del potencial físico, social, emocional y cognitivo de la niñez. Una infancia saludable brinda mejores oportunidades de crecer, desarrollarse, aprender y, posteriormente, integrarnos a la vida adulta de forma productiva.
El bienestar de la niñez mexicana no es responsabilidad única y exclusiva de un individuo, un núcleo familiar, una institución o un aparato de gobierno, sino de la sociedad en conjunto, considerando una amplia variedad de factores, que incluyen más, no se limitan a cuidados médicos y hospitalarios, nutrición, estimulación, protección y educación.
La obra que presento alude a la protección que todos le debemos a la infancia, a la inocencia, al juego como premisa, a la pureza y virtud de nuestros niños y niñas. Así, al protegerles, podrán en un futuro contribuir al desarrollo de sociedades mejor integradas, más dinámicas, respetuosas, productivas, en resumen: sociedades más sanas.
Andrea Cerda Camacho. Ciudad de México, 1986.
Cursa estudios profesionales de Cirujano Dentista en la FES Iztacala (UNAM). Su inquietud artística la llevo desde niña a estudiar pintura, primero con clases particulares, para posteriormente ingresar a Casa de Cultura Luis Nishizawa, en Cuautitlán, Estado de México. Fue en este lugar donde, durante 6 años, amplió sus técnicas y comenzó a desarrollar su estilo, además de participar en diversas exposiciones colectivas. Los siguientes pasos en busca de consolidar su estilo y técnica los da con el aprendizaje y experimentación por su cuenta, investigando y produciendo la serie “Muñequitas Mágicas”, a las cuales cariñosamente llama Petritas y Floritos. Actualmente, expone su obra en el Jardín del Arte de Sullivan en CDMX.
Andrea es una pintora joven con una técnica minuciosa y depurada. Su paleta es armoniosa y trabaja el claroscuro de rica forma. Sus personajes son animados y recrea escenarios mágicos y sutiles. Su energía pictórica se mimetiza con la artesanía mexicana, de manos indígenas, con alegorías ancestrales, el ejercicio pictórico ejerce en ella una fuerza cromática, lúdica, llena de luz. En su obra manifiesta esplendor, una está permanentemente explosiva de color, como los juegos pirotécnicos en una feria de algún pueblo mágico en esos lugares donde habita su obra.
Chica Ayala
Esta obra refiere a lo simple y complicado, todo al mismo tiempo, así como somos los seres humanos, somos ordinarios, pero al mismo tiempo complejos, en el tema de nuestra anatomía, en salud, todo es simple, fácil, casi en automático, vamos, regresamos, siempre con prisa, comemos de todo, dormimos poco, se nos olvida que respiramos y que nuestro cuerpo hace todo a la perfección. En cambio, cuando algún ser querido, o nosotros mismos, perdemos la salud... todo es complicado y algo tan ordinario se convierte en esfuerzo, complejo, molesto, doloroso... porque no tenemos lo más preciado: La Salud. Esto es lo que yo trasmito en mi obra.
En el color simbolizo el color de la sangre, pero al mismo tiempo el color rojo lo idéntico como PODER, y considero que tener salud es tener PODER. La textura la muestro como un sistema complejo que si todo está bien funciona a la perfección y está todo conectado dentro de un cuerpo que es el lienzo.
Chica Ayala, Ciudad de Monterrey, Nuevo León, 1974
Estudié la Licenciatura de Ciencias de la Familia en el Instituto Juan Pablo II, mi introducción al mundo del arte fue en el 2006 donde estudié el Diplomado de Escultura en el Museo del Centenario en San Pedro, Garza, García, N.L., posteriormente tomé clases y cursos de Cerámica y Rakú y en el Taller “El Olvido” con la Maestra Hilda San Vicente en CDMX, ciudad donde actualmente radico desde hace 10 años, así como también el Diplomado de Escultura en la Universidad Ibero 2013, también cursos y talleres con el Maestro Gustavo Salmones, Ana Tejeda, Taller Manos Libres. También cursé el Diplomado de Arte Contemporáneo, Mercados y Negocios, en la Universidad Centro en alianza con Sotheby’s Institute of Art (SIA).
Continúo en constante exploración de técnicas tanto tradicionales como experimentales, aunque las técnicas que predomino son autodidactas.
He participado en más de 15 exposiciones colectivas, entre las cuales destacan:
-Liliths de Mayo, Galería La Mercantil del diseño Coyoacán CDMX (2022)
- Art Raiders Galería La Mercantil del diseño Coyoacán CDMX (2021)
-1a Bienal de Panamá, Pabellón de México. (2020)
- Feria Internacional Inspire Art Week Miami FL (2019)
-Dialécticas entre el límite y el trazo en el Centro Cultural Minero (2019)
Elizabeth Ramírez
Esta obra refiere a lo simple y complicado, todo al mismo tiempo, así como somos los seres humanos, somos ordinarios, pero al mismo tiempo complejos, en el tema de nuestra anatomía, en salud, todo es simple, fácil, casi en automático, vamos, regresamos, siempre con prisa, comemos de todo, dormimos poco, se nos olvida que respiramos y que nuestro cuerpo hace todo a la perfección. En cambio, cuando algún ser querido, o nosotros mismos, perdemos la salud... todo es complicado y algo tan ordinario se convierte en esfuerzo, complejo, molesto, doloroso... porque no tenemos lo más preciado: La Salud. Esto es lo que yo trasmito en mi obra.
En el color simbolizo el color de la sangre, pero al mismo tiempo el color rojo lo idéntico como PODER, y considero que tener salud es tener PODER. La textura la muestro como un sistema complejo que si todo está bien funciona a la perfección y está todo conectado dentro de un cuerpo que es el lienzo.
Elizabeth Ramírez Rodríguez. Ciudad de México, 1988.
Artista que reside y trabaja en ciudad de México Estudió Artes Plásticas en el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. Desde entonces trabaja de forma autodidacta, llevándola a seguir complementando su aprendizaje mediante cursos y talleres de pintura en Centro de Cultura Casa Lamm, Cursos Online de Técnica Mixta, workshop de Acuarela realista con la Artista Patricia Guzmán, Curso de Neurociencias de la creatividad y Arteterapia, ha participa do en diversas exposiciones colectivas en México.
Domina los procesos creativos y de realización de técnicas que le permiten estructurar sus obras, representa temas donde destaca el retrato y la gura humana en conexión con la naturaleza, capturando su esencia y belleza misma, siendo su principal fuente de inspiración, su práctica artística se desarrolla a través del recurso figurativo interpretando sentimientos y experiencias propias, su sensibilidad creativa la ha llevado a experimentar distintas técnicas y materiales como el óleo, acuarela, pastel, acrílico, grabado y tintas al alcohol.
Se interesa en el Arte surrealista y el retrato realista, su intención es transmitir emociones que lleguen al alma de su espectador.
Catalina Moya
La Diosa reverenciando a la Madre Naturaleza
El Yoga es una de las prácticas más saludables para nuestro cuerpo y mente y esta postura llamada La Diosa, con inclinación hacia adelante apoyada en el aro, muestra reverencia hacia la madre naturaleza. La postura permite trabajar las piernas, caderas y espalda baja, fortaleciendo y relajando el cuerpo a la vez. Energéticamente, ayuda a trabajar nuestro lado femenino al conectarnos con la naturaleza. La pintura muestra el equilibrio del cuerpo, el símbolo de infinito formado entre cuerpo y aro, el balance entre la línea y el círculo, todos elementos y símbolos con una integración armónica. La mujer refleja la fuerza de su cuerpo en su forma y colores naranjas y magentas, rodeada de una atmósfera suave de naturaleza y solidez a la vez.
La Diosa Alquimista
Es la treceava Diosa de mi serie Diosas Femeninas, es la mujer que integra todos sus dones y experiencias, para entregarlos y ponerlos al servicio de los demás. Irradia mucha luz, equilibrio interior, paz mental, confianza y seguridad en sí misma. Se destaca por su belleza, su figura esbelta y delicada, la mirada profunda, frontera y con una suave y misteriosa sonrisa en su rostro. Su naturaleza es vivaz y colorida como las flores en su cabeza, el verde turquesa de su cuerpo proviene de su origen de agua y naturaleza y su cabello refleja su fuego interior. La armonía cromática a su alrededor con tonos dorados y violetas realzan su fuerza espiritual.
Catalina Moya, Bogotá, Colombia. #catalinamoya
Soy artista autodidacta, estudié Ingeniera Industrial en la Universidad Javeriana de Bogotá, me especialicé en Marketing con el TEC y estudié el Máster en Innovación y Emprendimiento con la Universidad de Barcelona. He pintado y dibujado desde niña gura humana en carboncillo y pastel, cuando tenía 20 años pintaba paisajes y ores al óleo, luego en mis 30 s decidí desarrollar toda mi obra en acrílicos combinándolos con técnicas mixtas, con propuestas de arte figurativo y abstracto. Soy una mujer muy dinámica, muy observadora y admiradora de la naturaleza y de la mujer, de toda nuestra capacidad creadora, me conecto mucho con la gente y mi propósito es servir a otros a través de mis dones, experiencia y conocimientos. He vivido la mayoría de mis años en Bogotá, pero también viví en Londres, Managua y ahora resido en el Estado de México. Mi obra se encuentra en varios países como Canadá, Estados Unidos, Francia, México, Brasil, Nicaragua y Colombia.
EXPOSICIONES
2022 - marzo 2022 - Puebla, México
Exposición Virtual Colectiva Arte, mujer, fuerza, pasión y vida Barrio del Artista de Puebla
2022 - febrero 2022 - Puebla, México
Exposición Virtual Colectiva Misión Cumplida
Barrio del Artista de Puebla
2021 - noviembre a diciembre - CDMX, México
Exposición Colectiva Expo Arte
Parque Tecamachalco
2019 - febrero a marzo - Bogotá, Colombia
Exposición individual Viendo con otros ojos
Centro Cultural Salvador Dalí - Colegio Hispanoamericano
2018 - junio a agosto - Bogotá, Colombia
Exposición individual Diosas Femeninas
Galería Montenegro - Fundación Clínica Shaio
2017 - mayo a junio - Bogotá, Colombia
Exposición Colectiva Galería Navas
2017 - octubre a diciembre - Bogotá, Colombia
Exposición Colectiva Galería Montenegro - Fundación Clínica Shaio
Eduardo Solís
Límite de error No. 03
Material de vidrio surge de la observación de diversos estudios y análisis de microorganismos, también llamados microbios (del griego científico μικρόβιος [microbios]; de μικρός [micrós], “pequeño”, y βίος [bíos], ‘vida’; ser vivo diminuto). La aproximación se hace desde un carácter visual/estético y su connotación con la relación del ser humano y su fragilidad ante estos organismos unicelulares.
Eduardo Solís
Realizó sus estudios de licenciatura en la Universidad Tecnológica de México, fotografía en el Colegio Americano de Fotografía y la Academia de Artes Visuales. Exposiciones individuales: Caras Conocidas en Universidad Tecnológica de México y Parvulus dentro del marco de Fotoseptiembre 2011.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas entre las que destacan el Quinto Corredor Creativo en The Anglo Mexican Foundation, Libro-Agenda Rendija en Centro Cultural Casa Vallarta, Salón de la Foto en el Centro de Arte Moderno de Guadalajara, Instintos en la Galería Kitamura en Japón, Vidas Subterráneas en el Sistema de Transporte Colectivo Metro CDMX, Dermografía Casa de la Cultura Azcapotzalco, 60 Aniversario del Club Fotográfico de México, México en una Imagen en Museo Soumaya, entre otras.
Su trabajo ha sido seleccionado por el Centro de la Imagen (CI) y en los premios Prix de la Photographie PX3 en Francia, Kuala Lumpur International Photo Awards Portrait Prize KLPA en Malasia, entre otros.
También ha sido publicado en editoriales, libros, catálogos y agendas; su trabajo comercial aparece en diversos medios publicitarios. Vive y trabaja en Ciudad de México.
Óscar Salgado R.
Vorágine
Todo sucedió tan rápido, como un huracán que apenas avisa cuando va a golpear y nadie se imagina el desastre que va a dejar a su paso. Observando un huracán llamado de diferentes modos, desde el que bautizó la ciencia y la medicina hasta la incredulidad y la espontaneidad. Nadie sospechaba por un momento todas las consecuencias ni la magnitud de esta situación, en un acto desprevenido a nivel mundial, acosador a la humanidad, posturas encontradas, filosofías derrumbadas, caos económico, social, psicológico, familiar. Un huracán que destapa cloacas por donde salen ratas, fantasmas y hasta oportunistas, una caja de pandora que hace aterrizar a la humanidad haciéndole ver su fragilidad y soberbia.
En un viaje a lo profundo del pensamiento, envuelto en una espiral que inicia con una leve noticia y va tomando fuerza al pasar los días mientras se va desarrollando con más fuerza cuál vorágine de sentimientos confusos y a la vez de ideas, soluciones y posturas en contra que esconden miedos tan reales como imaginarios y hasta apocalíptica vorágine de formas y líneas espirales, sensuales, de tonalidades azules, nos recuerdan a lo profundo del mar, a los corales, a su naturaleza cambiante como un huracán, Intentando reflejar con líneas y colores precisamente estos sentimientos intensos y que surgen del pensamiento profundo y reflexión mostrando al final ignorancia e incertidumbre y una idea tal vez falsa de haber logrado una victoria.
Las historias que no viví
Al borde de una ventana un niño contempla un día más una situación que no termina por comprender, viendo pasar los días y recordando cuando podía ir al parque y bajaba por esa resbaladilla que llenaba de sonrisas, aquellas piñatas con sus primos a finales de año y los dulces que guardaba, recuerda la última vez que entró a una juguetería y cuando iba a escoger su dona favorita a la panadería, apenas recuerda los rostros de sus abuelos que se fueron durante esa pandemia, no pudo despedirse de ellos, solo le avisaron que ya no los iba a ver. Aburrido, no ve la diferencia entre un día y otro, entre vacaciones y escuela, hay días en los que se puede conectar a la escuela y otros no se puede, depende del saldo.
Al final ve pasar un ave y en su imaginación quisiera ser como esta.
Óscar Salgado R. Ciudad de Puebla, 1966.
Desde muy chico tuvo interés por el dibujo y la pintura, tomó clases particulares con la Maestra Martha Flores usando la metodología de Walter Foster (1977 – 1983) Su primer cuadro al óleo fechado en 1977 a la edad de 10 años.
Ingresó en la Universidad Ibero Americana en 1987 a la Licenciatura de Diseño Gráfico, donde adquirió conocimientos en fotografía, serigrafía, grabado, dibujo e ilustración, los cuales le ayudaron a ampliar sus técnicas de representación gráfica y plástica. En 2001 funda su academia de pintura CASA Musha hasta 2020, la cual tuvo que cerrar por pandemia.
Ha participado en diferentes exposiciones como en Casa de la Cultura GAM, Casa de Cultura Azcapotzalco, Museo del Fuego Nuevo Iztapalapa, Café Galería Las Trojes y Centro Cultural el Tintanismo entre otras.
Actualmente, se desarrolla como profesionista independiente y artista gráfico.
Jorge Barrios
Elefante y muerte
Celebramos la vida con una escena lúdica, como un circo de fantasía, la muerte haciendo acrobacias con monos, como un espectador del juego y de la vida, en un paisaje onírico que nos remite a un recuerdo de infancia de aquellos circos trashumantes que hacían des lar sus elefantes famélicos con sus artistas del trapecio en las principales calles del pueblo.
Paseo dominical en la Alameda
Cómo una rueda que guías con una varilla cuando niño, así esta obra en formato redondo y que dentro como en un circo en la esfera metálica da vueltas sin en una bicicleta y el niño (la muerte) que aprende a andar en una bici gigante metiendo el pie en el triángulo para alcanzar el pedal. Es el juego como principal elemento, desde la realización formal de la obra, al moler el pigmento, mezclarlo con aglutinante, escurrirlo en el lienzo, van apareciendo los personajes en mi obra.
Jorge Barrios, Tlaxiaco Oaxaca.
Barrios ha expuesto con gran éxito en Francia, se ha dedicado a formar nuevas generaciones de artistas a través de cursos de iniciación al arte. Es un pintor Oaxaqueño. Que ha sido un pilar en el que han descansado la inquietud artística de muchos niños y jóvenes, además es un pintor destacado de su generación, en nuestro país. En 1995 inicia un Taller de Grabado en Tlaxcala, en la Pinacoteca del estado, e imparte talleres de Artes Visuales, siendo maestro fundador del Centro Cultural Apizaco Tlaxcala.
Nace en Tlaxiaco Oaxaca, en la Mixteca Alta, donde a temprana edad descubre su vocación por las Artes. En 1978 se traslada a la CDMX donde realiza estudios de diseño en la Universidad Metropolitana y posteriormente ingresa a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” 1983-1989. A lo largo de su trayectoria ha expuesto colectiva e individualmente dentro y fuera del país en espacios tales como;
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2020 Códice Mixteco, CurArte es Guelaguetza. Tlaxiaco, Oaxaca. 2016 Recuerdos para Iluminar Ollioules Francia, 2013 Sueños Irreverentes Galería Casa de La Nube. Tlaxcala. Ha expuesto en París Francia en 2010, Sedimentos de la Memoria en 2009. Pensamiento Salvaje rencontré avec Jean-Claude Carriére, en 2008 Amuletos, Libraré Le Merle Moqueur y en 2006 El Lenguaje del Cuerpo, Galerie Art & Planéte. En Tlaxcala: en 2005 La Edad de Bosque Museo de Arte de Tlaxcala y Zoonírica Universidad del Valle de Tlaxcala, en 2002 Laberintos de Luz Museo de la Memoria. Tlaxcala, Tlaxcala. En la ciudad de México, en 2002 Territorios del Sueño Galería Mexicanos, en 1996, de nuevo en Tlaxcala: En las Alas de la Memoria en el Instituto Tlaxcalteca de Cultura. En 1991 en la Ciudad de México Paisaje de Voces Galería Mexicanos y 1990 Paisajes Deletreados Galería José María Velazco / INBA.
PREMIOS NACIONALES E INTERNACIONALES
2017 Mención Honorífica. Muestra Internacional. Museo de las Américas. Houston Texas.
2003 Primer lugar. 3er Concurso de Pintura Tlaxcala México / Becario del FOECAT. Creadores e intérpretes con Trayectoria. Tlaxcala. México. 1992 Primer Lugar. Una interpretación Moderna del Quijote. Museo Nacional de la Estampa. CDMX.
1989 Primer lugar de Grá ca. lX Encuentro Nacional de Arte Joven. Museo Carrillo Gil. CDMX.
EXPOSICIONES COLECTIVAS
2020 Proyecto Naturae, Encuentros fortuitos. Secretaria de Cultura, Parque Xochimilco CDMX.
2019 Art Behind The Wall Plaza de la Raza y Galería Emilia Cohen, Los Ángeles AC.
2018 2 octubre no se olvida Nunca más, San Jerónimo proyecto vecinal. CDMX.
2017 Arte Mexicano en Japón, Embajada de México en Japón. Fomento Cultural México. / Lúdicos Arte Objeto, Museo Franz Mayer. Abierto Mexicano Diseño y Art Clay Word.
2016 Proyecto RE75, Mural. Cuarta Edición Abierto Mexicano de Diseño. CDMX.
2014 La Mar en Ti, Exposición de postales. Poca Gallery. Portugal.
2013 100 Artistas dialogan con Posada, Centro de las Artes de San Agustín (CASA) San Agustín, Etla Oaxaca. México. Tlaxcala, la Fuerza de la Identidad, Exposición Colectiva. CDMX.
1992 Exposición Homenaje al Mtro. Rufino Tamayo, Aniversario luctuoso. Galería Mexicanos.
Marco Tulio Ángel Zárate
Porque la salud es el estado ideal del hombre, la transición es el proceso de la vida, el crecimiento biológico, físico, químico, intelectual, espiritual, material, etc., con el que la humanidad transcurre en una trascendencia individual o colectiva, dónde la sociedad vive experiencias, acumula conocimientos, y simboliza todo este bagaje asimilando y reflexionando a su paso lo que su ojo y mente percibe, dentro de este acontecer diario la humanidad se ha enfrentado a diversas problemáticas, a veces caóticas, inciertas, sociales, culturales, de salud, políticas públicas etc. En la jerarquización de los conceptos, el ser humano la ha impuesto a sus coetáneos, estos modelos son pragmáticos, institucionales o informales, al final el ser humano ha regulado sus actividades a través de las reglas y las normas, y es así como ha construido o deconstruido el modelo ideal.
Muchas veces este objetivo no se alcanza, intervienen otros intereses ajenos a los ideales, a la moral, a los valores, a los principios. La corrupción, el caos, el desorden, la manipulación, a estos terribles hechos que son la contraparte de la conducta sana, del bien común. Sin embargo, a pesar de este paradigma anacrónico, se antepone el ideal, arte, el ejercicio social humano de la expresión social, la actitud positiva, los hechos concretos, es ahí donde el arte como la ciencia, entre otras disciplinas inherentes al humano, hacen de la vida un mundo mejor.
Suspiro del corazón
... Cuando escuchas el suspiro del corazón has descubierto el camino a la nueva vida, la caja de pandora que guarda la ira de Dios y que quiere salir para atrasar el principio que huye de rojo bailando en el lo más frío de un cristal, la hora llega con la custodia de Esculapio bendiciendo de luz el llanto de un cordón umbilical dador de vida y presunto culpable que camina en las entrañas de un ser, alimentos de creación, sueños etéreos, caminos de obscuridad, caminos de amor infalibles y sutiles, la furia de la muerte de difuntos perdidos, agua de sal interminable que al término se recompensa de un viento de calma y de vida plena.
Saber que izquierda y derecha ajustan digitalmente el aliento constante del tiempo que lo cura todo y repara al Homo sapiens alado, sustantivamente como una especie pensante que habita este mundo y al nal la espera del llanto genital de un ser rosa o azul que camina su destino en un sendero infiito cobijado en el regazo del universo...
ESTAMOS EN
CONSTRUCCIÓN
Mil disculpas